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Por. Andrea De Luigi
Hace calor en Venecia. Empiezo muy temprano mi caminata desde Piazza San Marco, rumbo a Arsenale. 
Cientos de turistas fotografiando el Puente de los Suspiros, y fotografiando todo. Sin embargo, a medida que avanzo por la costanera veneciana, la gente queda atrás, el aire se hace más fresco, y la expectativa de lo nuevo, lo sorpresivo y fascinante por conocer me invade y me llena de excitación.
Que Vivas En Tiempos Interesantes es el título que tiene este año la Bienal de Venecia, dado por su curador, Ralph Rugoff. El título alude a la idea de la inminencia de tiempos desafiantes e incluso amenazadores, pero al mismo tiempo es una invitación a ver y a considerar los eventos humanos en su complejidad, en estas épocas de extrema simplificación, debido al conformismo o al miedo. Rugoff afirma que es su deseo que el arte nos dé herramientas para imaginar las posibilidades de transformar la frase, de una maldición a un desafío que podamos encarar con entusiasmo. Interesante propuesta.
La Bienal es una muestra internacional de Arte que tiene lugar en Venecia del 11 de mayo al 24 de noviembre. Se desarrolla en diferentes escenarios.  Por un lado, en dos grandes centros: Arsenale y Giardini. Allí se despliega la obra de 79 artistas internacionales, y de la mayoría de las 90 naciones que participan de todo el mundo. El resto de las naciones participantes y muchos otros eventos se desarrollan en toda la ciudad de Venecia, en palazzos, museos, galerías, y otros centros.  Los Eventos Colaterales a la Bienal constituyen una diversidad de fascinantes focos de interés para el expectador (devorador) de arte, clásico, moderno y contemporáneo. 
Llego a Arsenale.  Enormes edificios con mucho carácter, con historia a la vista, parte de los antiguos astilleros.
Entro con gran expectativa. Se cumple con creces. Me recibe un gran cuadro de George Condo, Double Elvis. Amo a George Condo, con sus personajes bizarros y su energía feroz.  Con su mitología personal. Creador del Realismo Artificial, desarmar la propia realidad y crear otra de sus mismas partes. Pintura turbulenta, expresionista. Realizada con enormes pinceles y enormes barras de pigmento (pasteles al óleo). Generalmente en blanco y negro, o con poco color. En otra parte de la muestra me voy a encontrar con otro gran cuadro de Condo, Facebook, creado según Condo para exorcizar las mentiras que son inherentes a una cultura en donde amigos se hacen amigos pero no son realmente tus amigos.  Es un cuadro fuerte, que agrede, que altera.



Empiezo a recorrer los amplios corredores cubiertos en paneles de madera clara de piso a techo, que contrastan con la estructura clásica de ladrillo a la vista del edificio.

Hay mucha fotografía. Alguna demasiado conceptual, hay tanto para ver que paso rápidamente frente a lo que no me captura inmediatamente. Me detengo frente a grandes fotografías en blanco y negro, retratos de mujeres negras. Imposible no detenerse a observarlas. Ellas me observan también, intensamente. Se percibe una historia, un mundo detrás de cada rostro fotografiado. Y en conjunto, una historia de género, de clase, de raza. Muy intensa y muy bella la fotografía de Zanele Muholi, quien se auto define como activista visual.



Continúo el recorrido, me encuentro con enormes fototografías que parecen de revista de moda. La fotógrafa Martine Gutiérrez Presenta Cuerpo en Esclavitud, en donde se fotografía a ella misma en poses eróticas con figuras rigidas tipo maniquíes. Las expresiones de la mujer fatal van del disfrute a la turbación, del deseo a la confrontación, de la provocación a la impasibilidad. Impactan, hacen pensar en la mujer sujeto-objeto, la actividad-pasividad, y otros temas relacionados con las cuestiones de identidad de género




El video, y la video instalación, son expresiones artísticas en auge. Acá están en todos lados. Algunos interesantes, como las 48 películas de Guerra, de Christian Marclay. Un collage de videos, sonido fuerte, simultáneo de las 48 películas. Me llama la atención. Me altera, probablemente ese el objetivo. No me conmueve como una pintura. Por suerte el arte es amplio y subjetivo, hay para todos los gustos.


Instalaciones, instalaciones, más instalaciones. Son un modo de expresión contemporánea por excelencia. Algunas me resultaron especialmente interesantes:
For, in Your Tongue, I cannot Fit. Una instalación Sonora de Shilpa Gupta, artista india.  Ella explora en su obra las divisiones étnico religiosas, las divisiones entre naciones, fronteras, alienación y en relación con esto, pertenencia-aislamiento, legalidad-ilegalidad. En la instalación que presenta en la Bienal nos muestra una sinfonía de voces grabadas que hablan o cantan los versos de 100 poetas que han sido encerrados en prisión por razones políticas, desde el siglo 7mo al presente. Son 100 micrófonos colgados del techo, puestos en función parlante. Lo que se escucha en cada uno corresponde a lo escrito en un papel bajo el micrófono. Agudizar el oído para escuchar las voces individuales, aunque lo que se escuche sea incomprensible. Detrás de cada micrófono hay una historia de vida, que representa miles de historias de vida de lucha por sus ideas, de represalias, de injusticia. Instalación muy interesante y movilizadora.


Veins Aligned, Otobong Nkanga. Es una hermosa metáfora de una larga vena en mármol veteado, cristal de murano y pintura de 25,9 m. Entre vena y río, de hermosos colores, en partes más saturados, en otros menos aludiendo a polusión mecánica. Analogía cuerpo humano, cuerpo de la tierra. Nada existe en un estado estático, todo está continuamente evolucionando. 



Dear de Sun Yuan y Peng Yu espectáculo visceral e intimidante. La tranquilidad de un viejo sillón se interrumpe constantemente con movimientos explosivos de una manguera que libera aire comprimido, con sonido de electrificación. Esa manguera que se mueve rabiosamente va rompiendo poco a poco el sillón. Altera, asusta. Inmediatamente todo vuelve a una calma silenciosa que invita al espectador a sentarse cómodamente en el sillón. (Todo esto se desarrolla dentro de un gran cubo de acrílico)  



Otra obra de esta pareja de artistas es Can’t Help Myself (No lo Puedo Evitar). También dentro de un hermético cubo de acrílico, se ve una gigante máquina de un brazo robótico que termina en una pala que realiza diferentes movimientos, y que recoge y lanza pintura roja, símil sangre, a las paredes y al piso. Relación entre mecánico, orgánico, arte. Interjuego permanente entre lo fluido y lo robotico, el título que implica una conducta impulsiva, compulsiva. No conmueve, pero altera. No deja indiferente.


Instalación a gran escala de Liu Wei, Microworld.  Enormes esferas y formas geométricas en aluminio, versiones aumentadas y lustrosas de moléculas, protones y otros elementos microscópicos . Provoca a la vez una seducción dramática que reduce al espectador al mínimo tamaño frente a la enormidad de lo comúnmente invisible.



Eskalation, por Alexandra Bircken, se describe como visceral y apocalíptica. Una realidad ficticia, distópica de lo que podría ser el fin de la humanidad. Son 40 figuras en látex negro, suspendidas de escaleras que llegan hasta el techo. Parecen figuras que hubieran sido arrasadas en un instante, cuyas ropas permanecen colgando en el lugar en que se encontraban, y sus formas preservadas en el momento de escapar. A dónde iban? Esta instalación activa  la imaginación y la interpretación personal.

 


¿Qué pasa con la pintura? Hay pintura, abriéndose  paso a los codazos, haciéndose un lugar entre los videos, las instalaciones, las esculturas contemporáneas y la fotografía. Sin embargo, dentro del porcentaje que le toca, creo que la pintura realista está recuperando lugar frente a la abstracción. Cuadros de Henry Taylor, Njideka Akunyili Crosby, Michael Armitage, nos hablan de sus realidades, de sus historias, que así como son individuales y personales, también son universales. Temas de género, de raza, de discriminación, de violencia, de amor y familia. 



Jill Mulleady, La Pelea Estaba Arreglada. Inspirada en el Friso de la Vida de Munch. La obra de Mulleady muestra escenas de violencia callejeras, que se extienden horizontalmente, como si fuera una calle de ciudad.


Ad Minoliti, artista argentina. Es su deseo de crear espacios alternativos para contrarrestar las líneas rígidas de representación del modernismo. Figuras mitad humanas mitad animales, observan los murales como cualquier otro visitante, como si las imágenes se hubieran expandido y nuestro espacio se hubiera convertido en otro mundo alternativo e imaginario.


La Escultura, y la Escultura Instalación, también tienen su lugar de importancia.

Anicka Yi Biologizing the Machine (tentacular trouble) Colgando del techo, enormes esculturas biomorfas (parecen crisálidas) luminosas sugieren organismos amorfos como babosas, huevos de insectos, órganos humanos o crecimientos cancerosos. Algunas contienen insectos animatrónicos que proyectan sombras. Estas esculturas están suspendidas sobre cráteres llenos de agua. Asociación con  fluidos corporales, contaminación, enfermedad. Relación entre los biológico y lo tecnológico. Lo vivo y lo perecedero. Conforma una instalación hasta cierto punto armoniosa y estética, que atrae y rechaza, y con la que nos relacionamos intuitiva, emocionalmente.


Carol Bove esculturas collage  El juego entre materiales duros, algunos oxidados, y otros blandos, nuevos coloridos crea una tensión entre formas sólidas y livianas, lo estático y lo móvil, fuerza y suavidad, presión, cuerpos mitológicos y elementos cotidianos. Los materiales se doblan, retuercen, y requieren de similares movimientos de los observadores para registrar la obra desde todos sus ángulos. 


Otras obras que me llamaron la atención
Instalación de Yin Xiuzhen, Nowhere to Land.


Trojan. Obra monumental y angustiante.



Tavares Strachan, Robert Henry Lawrence Jr. Instalación escultural, con neón, homenaje al primer astronauta afroamericano. Una celebración a un héroe americano, y una condena al racismo y a las agresiones que sufrió Lawrence Jr durante su vida y después de su muerte.  



Jesse Darling, March of the Valedictorians.


Arthur Jafa Big Wheel I, II, III.


Al terminar de recorrer este edificio con las obras de artistas internacionales elegidas por el curador Rugoff, comienzo con renovada curiosidad el recorrido por los Pabellones de las diferentes naciones, que se encuentran en edificios separados. Cada Pabellón de cada país tiene su tema o concepto, un desarrollo y un tratamiento de ese tema que vale la pena ver con detenimiento, analizarlo, entenderlo y sentir lo que desean transmitir. Me tomó varios días hacerlo. De las 90 muestras, elijo algunas que por alguna razón me interesaron especialmente. 
La primera que veo es la propuesta argentina En Nombre de un País. La artista Mariana Tellería nos presenta sus 7 monstruos, como le gusta llamarlos. Entro en un gran ambiente, oscuro, en donde se alzan siete esculturas monumentales, hechas con telas, autopartes, muebles, crucifijos y otros materiales que fue juntando la artista a lo largo de los años. Un collage de elementos, un caos organizado, un poco surrealista y un poco esquizoide a través de lo cual busca simbolizar la caótica coexistencia de lo vivo y de lo inerte, de lo natural y lo cultural, del orden y de la destrucción. El tamaño, el efecto de la oscuridad, junto con algunas luces dirigidas y el reflejo en columnas de espejo,la curiosidad por estos monstruos y por sus materiales, todo  provoca un cierto interés estético, una sensación de fatalidad y deterioro.



Sigo avanzando y llego al Pabellón de Italia. Un gran edificio con una entrada imponente. Ni uno ni lo otro: El Desafio del Laberinto. Inspirado en un texto de Italo Calvino, escrito con el objetivo de ayudar a los lectores a encontrar su camino en el mundo contemporáneo. Desafiar el laberinto, las elecciones en nuestra vida, determinan los caminos y el rumbo que ésta tomará. Cuatro artistas desarrollan su obra en este pabellón, artistas con diferentes con diferentes obras o caminos, pero que se relacionan o entrecruzan en determinados lugares. El espectador también desarrolla un camino simbólico, tomando para un lado o para otro según su elección. La trayectoria no es ordenada ni predecible, un camino sin principio ni fin predeterminado. Una interesante metáfora de la vida, con obra original y de calidad, para estimularnos y disfrutar. Me encantó este pabellón, y la escultura de Enrico David me pareció fabulosa. 



En el Pabellon de Arabia Saudita, entramos a un mundo imaginario propuesto por la artista Zahrah Al Ghamdi. La instalación se llama Después de la Ilusión. Dentro de una gran sala se levantan estructuras enteladas iluminadas y con objetos de cuero pegados todo alrededor. Una obra interactiva en la cual el observador, además de gratificarse estéticamente, ya que estas columnas intervenidas son bellas, puede tocar los objetos pegados y producir un sonido o una música especial al hacerlo. Reconocer, reconectarse con el sentimiento de lo familiar. Un mundo imaginario creado por la artista para sentir confort en el viaje hacia la auto-realización.


Entro al pabellón de Irlanda.  Dentro de un gran espacio se me presentan elementos geométricos de gran escala, estáticos pero ubicados dinámicamente. Monumentales pero con gran atención al detalle. Realizados en acero, resina, bronce o tela. La artista Eva Rothschild diseñó una instalación inmersiva, que nos invita a observar pero también a participar.  La perspectiva del espectador completa y da interpretación a la obra. The Shrinking Universe, el Universo en Contracción. Racionalismo minimalista, místico y romántico. Melancolía y utopía. Una obra estética, armoniosa, fina.



Entro al Pabellón de la India. El tema es Our time for a future caring. A los 150 anos de la muerte de Mahatma Ghandi, se despliegan este pabellón obras que expresan sus ideas y que son actuales y vigentes para provocar e inspirar al mundo actual.  Me impacta la obra Naavu (We Together). Una instalación de pared hecha con cientos de padukas (sandalias de madera), simbolizando la unidad y la no violencia. Tiene connotaciones simbólicas y espirituales de la historia y de la cultura de la India. Marchar como una nación sin diferencias de casta, color o creencias. Juntos y unidos. La instalación vista de lejos, parece moverse en conjunto, como unidad, hacia un objetivo. Vista de cerca, se ve que cada uno de los elementos es único y diferente del otro. Emociona.


De lejos impacta el Pabellón de Estados Unidos. Una obra monumental de Martin Puryear Liberty-Libertá. La estética, las esculturas en grandes dimensiones y la idea de la Libertad como una forma de vida absolutamente necesaria, es el concepto detrás de sus obras, algunas monumentales, otras no, pero siempre interesantes.



Por último, incluyo el Pabellón de Austria. Renate Bertlmann realiza una expansiva instalación de Rosas-cuchillo,  Discordo Ergo Sum. Cambia irónicamente la frase de Descartes. Sus obras se centran en las relaciones de género, en la ambivalencia existencial  y en las estructuras de poder. Una obra provocativa y perturbadora, de estética exquisita e impecable realización.



Hasta acá llega mi selección de las obras que más me interesaron, aunque hay muchas más. Reflexionando sobre todo lo que vi, una cosa es obvia, en el arte contemporáneo, ya no existe interés por la obra puramente estética, si no hay un concepto interesante atrás: temas de género, etnia, sexualidad, medio ambiente, inteligencia artificial, política y poder, redes sociales. Personalmente, me sigue interesando la obra conceptual que se acompaña de algo estético y claro, en donde no hay que leer 4 hojas para entender lo que el artista quiso expresar.

Aún en la pintura más clásica, dentro de lo contemporáneo, debe existir atrás una idea racional que la sostenga y le dé sentido. Ya no existe lo estético por lo estético mismo, y la emoción que eso transmite. Una pena.
Ralph Rugoff hace una reflexión al respecto y afirma que ‘muchas de las obras expuestas afrontan los temas contemporáneos más preocupantes…No obstante, debemos partir del presupuesto de que el arte es más que una mera documentación del período histórico en que se realiza’. Totalmente de acuerdo.
Para terminar, es interesante el hecho de que los artistas invitados a Arsenale y a Giardini son sólo artistas vivos, de modo que las obras expuestas reflejan fielmente cómo los artistas trabajan, crean, reaccionan y experimentan en estos tiempos complejos. Otro dato interesante, es que de los 79 artistas invitados, 42 son mujeres. Es la primera vez en la historia de la Bienal, que esto sucede. Totalmente contemporáneo.
Siento que viví una fascinante e intensiva inmersión dentro del mundo del arte de nuestros días. Siento que vibré, me emocioné y me conecté con decenas de artistas a través de sus obras. Siento que viví una experiencia enriquecedora y memorable.

Andrea De Luigi
www.andreadeluigi.com | arte@andreadeluigi.com

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